Cuerpos que se sostienen en lo frágil: el proceso escultórico de Andrea Achury
En un tiempo marcado por la velocidad, la inmediatez y la producción acelerada de imágenes, el trabajo escultórico de Andrea Achury propone una pausa necesaria. Su práctica se sitúa en un lugar donde la materia exige tiempo, el cuerpo del artista se compromete físicamente y la forma emerge desde la fragilidad. A través del cartón piedra, un material humilde y maleable, Achury construye personajes alargados, cuerpos tensos y figuras que parecen sostenerse en un equilibrio precario, como si estuvieran siempre a punto de quebrarse o transformarse.
El proceso que se revela en este recorrido por su taller no es solo técnico; es también una exploración sensible sobre lo humano. Cada escultura se presenta como un cuerpo en tránsito, atravesado por fuerzas internas y externas, donde la delgadez extrema, la elongación y la tensión formal funcionan como metáforas de estados emocionales, vulnerabilidades y resistencias.
El cartón piedra, tradicionalmente asociado a lo efímero, lo artesanal o lo utilitario, adquiere en la obra de Achury una dimensión expresiva profunda. Lejos de ocultar su fragilidad, la artista la convierte en un eje central del discurso. El material no pretende imitar la solidez de la piedra o el bronce; por el contrario, conserva una cualidad orgánica, porosa y ligera que dialoga directamente con la condición de los cuerpos que representa.
Desde la estructura inicial, el proceso escultórico se construye de manera gradual. Capas de cartón, adhesivos, tiempos de secado y ajustes constantes configuran una práctica donde el error, la corrección y la improvisación forman parte del lenguaje. No hay una forma completamente predefinida: las figuras se van revelando en el contacto directo entre la mano y la materia, en una negociación permanente entre intención y resistencia.
Uno de los rasgos más reconocibles del trabajo de Andrea Achury es la presencia de cuerpos alargados y estilizados, figuras que parecen estirarse más allá de lo anatómicamente posible. Esta deformación no responde a un gesto meramente estético, sino a una búsqueda expresiva que pone en juego la idea del cuerpo como contenedor de tensiones emocionales.
Las esculturas no narran historias cerradas; sugieren estados. Hay en ellas una sensación de vulnerabilidad constante, pero también de persistencia. Los cuerpos, aunque frágiles, se mantienen en pie. Esta ambigüedad —entre debilidad y resistencia— es uno de los núcleos conceptuales más potentes de su obra. Las figuras parecen cargar con un peso invisible, como si el alargamiento fuera consecuencia de una fuerza que tira de ellas desde dentro o desde fuera.
El recorrido por el taller de la artista permite comprender la escultura no solo como objeto final, sino como proceso corporal y mental. El espacio de trabajo aparece como un laboratorio donde conviven materiales en distintas etapas, herramientas, pruebas y piezas en transformación. Aquí, el tiempo no es lineal: una escultura puede detenerse, retomarse, modificarse o incluso descartarse.
Este recorrido audiovisual y textual nos invita a comprender la escultura como un acto de presencia y de cuidado. Un recordatorio de que, incluso desde materiales frágiles, es posible construir formas que sostienen sentido, emoción y memoria.
